Jovens Adultos (Young Adults,
EUA, 2011)
EUA, 2011)
Dir:
Jason Reitman
Jason Reitman
Quandoo diretor Jason Reitman e a roteirista Diablo Cody fizeram Juno, o sucesso do filme se devia a um roteiro rico de sutilezas, driblando
todo tipo de simplismos e facilidades dramáticas. Retornando a parceria em Jovens Adultos, é justamente o roteiro que
parece não se desenvolver a contento aqui. A ideia de uma mulher adulta que age
como uma adolescente imatura acaba sendo reiterada a todo instante, a começar
pela escolha óbvia da profissão dela como escritora de romances para adolescentes.
É como se o filme precisasse que ela aja repetidamente como uma teen até chegar em seu
clímax explosivo no final. Engraçado que uma história sobre mentalidade pessoal peca
justamente por um roteiro um tanto engessado, especialmente depois de um filme
tão “crescido” como Juno.
Uma
pena porque o filme conseguiu uma intérprete à altura para entender o
comportamento e a psicologia atrasada de sua protagonista. Charlize Theron
defende sua personagem megera com propriedade, fazendo dos pequenos gestos e
expressões a medida ideal da imaturidade escondida por traz da altivez que ela
estampa na cara – e nesse sentido, direção de arte e figurinos são
acertadíssimos em compor esse universo duplo da protagonista. Mas também como comédia o filme
não parece funcionar como promete, o que torna Jovens Adultos arrastado e decepcionante.
pena porque o filme conseguiu uma intérprete à altura para entender o
comportamento e a psicologia atrasada de sua protagonista. Charlize Theron
defende sua personagem megera com propriedade, fazendo dos pequenos gestos e
expressões a medida ideal da imaturidade escondida por traz da altivez que ela
estampa na cara – e nesse sentido, direção de arte e figurinos são
acertadíssimos em compor esse universo duplo da protagonista. Mas também como comédia o filme
não parece funcionar como promete, o que torna Jovens Adultos arrastado e decepcionante.
L’Apollonide –
Os Amores da Casa de Tolerância (L’Apollonide – Souvenirs de la Maison
Close, França, 2011)
Os Amores da Casa de Tolerância (L’Apollonide – Souvenirs de la Maison
Close, França, 2011)
Dir:
Bertrand Bonello
Bertrand Bonello
Osubmundo do sexo, da exploração/venda do corpo e dos prazeres, parece ser o
maior interesse do cineasta francês Bertrand Bonello. Se em seus filmes
anteriores, Tirésia e O Pornógrafo, a temática aparecia de
forma um tanto suja ou mais explícita, em L’Apollonide
– Os Amores da Casa de Tolerância, que recebeu no Brasil um subtítulo
eufemístico, esse submundo está lá, mas cercado por um ambiente mais aristocrático
– mesmo que sujeito às intempéries que cercam o trabalho das prostitutas – que nos
transportam a um outro tempo. O bordel de luxo vive seus últimos dias na
passagem do século XIX para o seguinte, dentro de uma atmosfera carregada de
melancolia.
Não
há um centro narrativo de guia, mas um emaranhado de situações que se
desenrolam com essas meninas. Obviamente, algumas delas ganham destaque no
percurso (como a Mulher que Ri, marcada por uma fatalidade na profissão), isso
porque Bonello tem um carinho imenso pelas putas e acompanha o dia-a-dia de
trabalho, sonhos e frustrações que se acumulam, enquanto a casa tenta se manter
de pé. Todo o filme é cercado por uma atmosfera latente de tepidez e decadência,
mas é evidente o cuidado que aquelas meninas mantém entre si, uma espécie de
família construída em torno de ofício tão socialmente rejeitado. Desse ambiente deprê, L’Apollonide expõe um retrato
luxuoso do declínio de uma época, mas não de uma maneira de ganhar a vida, como
fica evidente na também triste cena final.
há um centro narrativo de guia, mas um emaranhado de situações que se
desenrolam com essas meninas. Obviamente, algumas delas ganham destaque no
percurso (como a Mulher que Ri, marcada por uma fatalidade na profissão), isso
porque Bonello tem um carinho imenso pelas putas e acompanha o dia-a-dia de
trabalho, sonhos e frustrações que se acumulam, enquanto a casa tenta se manter
de pé. Todo o filme é cercado por uma atmosfera latente de tepidez e decadência,
mas é evidente o cuidado que aquelas meninas mantém entre si, uma espécie de
família construída em torno de ofício tão socialmente rejeitado. Desse ambiente deprê, L’Apollonide expõe um retrato
luxuoso do declínio de uma época, mas não de uma maneira de ganhar a vida, como
fica evidente na também triste cena final.
Marcados para
Morrer
(End of Watch, EUA, 2012)
Morrer
(End of Watch, EUA, 2012)
Dir:
David Ayer
David Ayer
Daonda de mocumentários que tem surgido recentemente, Marcados para Morrer parece conseguir o que a maioria deles pretende
enquanto artefato estético: uma relação mais próxima com o real, apesar desse
ser um termo difícil de definir. Toma como registro a rotina de dois parceiros policiais,
vividos por Jake Gyllenhaal e Michael Peña, no dia-a-dia de trabalho nas ruas
de Los Angeles, na sua relação de amizade e na vida familiar que constroem. Trata-se
de um filme policial sem o glamour das cenas de perseguição e heroísmo dos filmes
de ação. Seu grande mérito é se aproximar de um retrato cru da vida de
policial, enfrentando o destemor dos bandidos e a corrupção dentro da própria
instituição que trabalham. São, portanto, agentes e reféns de um sistema maior e
mais complexo do que eles imaginam.
Mas
seguem fazendo seu trabalho, com um mínimo de honestidade, também sabendo se
aproveitar de seu lugar como detentores de autoridade. Mesmo assim, há uma
certa ingenuidade no ar, especialmente pelo personagem de Gyllenhaal, justo
quem decide registrar com sua câmera caseira tudo que lhe acontece, ideal para
representar essa profissão perigo através de uma ótima mais realista. A
fronteira entre a brincadeira e a seriedade é bastante fina, nunca se sabe o
que virá a seguir. Marcados para Morrer,
como o próprio nome indica, nos coloca no universo da criminalidade e do perigo
constante do qual o cinema já nos ensinou a ver e compreender nos filmes do
gênero, mas que aqui ganha proporções mais palpáveis, sem firulas, e por isso
mesmo mais verdadeiras.
seguem fazendo seu trabalho, com um mínimo de honestidade, também sabendo se
aproveitar de seu lugar como detentores de autoridade. Mesmo assim, há uma
certa ingenuidade no ar, especialmente pelo personagem de Gyllenhaal, justo
quem decide registrar com sua câmera caseira tudo que lhe acontece, ideal para
representar essa profissão perigo através de uma ótima mais realista. A
fronteira entre a brincadeira e a seriedade é bastante fina, nunca se sabe o
que virá a seguir. Marcados para Morrer,
como o próprio nome indica, nos coloca no universo da criminalidade e do perigo
constante do qual o cinema já nos ensinou a ver e compreender nos filmes do
gênero, mas que aqui ganha proporções mais palpáveis, sem firulas, e por isso
mesmo mais verdadeiras.
Tropicália (Idem, Brasil,
2012)
2012)
Dir:
Marcelo Machado
Marcelo Machado
Dosdocumentários musicais brasileiros que viraram modinha nos últimos anos, pode-se
dizer que Tropicália é um dos mais
felizes na sua inventividade conceitual. Ao falar do movimento artístico que
frutificou a partir do fim da década de 1960, quando os artistas baianos (notadamente
Caetano Veloso e Gilberto Gil) despontaram com sua música de sonoridade
renovada, o filme se apropria de um certo tom libertário, fugindo da narrativa
tradicional, mas ainda assim sendo bastante elucidante sobre o tema. Sem se
limitar somente à música, o filme faz um apanhado das confluências artísticas
que frutificavam no Brasil à época e que foram os pilares do Tropicalismo
enquanto movimento artístico.
O
filme traz um recorte riquíssimo de imagens de arquivo, especialmente algumas
pouco vistas e conhecidas, além de reveladoras (como a cena que abre o filme,
retirada de um programa de TV em Portugal com a participação de Caetano e Gil assim
que chegaram exilados na Europa). Com esse rico material, o diretor Marcelo
Machado faz um trabalho de montagem incrível e inventivo, sem perder o percurso
que traça do movimento, entremeando os descaminhos políticos que o Brasil vivia, com as interferências
e desmandos do governo militar, essenciais para se entender o momento histórico
quando tudo aquilo ganhava forma. Daí que não é de se espantar que imagens de Terra em Transe, de Glauber Rocha, ganhe
tonalidades coloridas, ou que imagens das fotos antigas sejam recortadas e ganhem
animação. Na profusão do movimento artístico, Tropicália se entrega ao pop
e à modernidade e nos entrega uma narrativa deliciosa de acompanhar. Definitivamente,
trata-se de um filme tropicalista.
filme traz um recorte riquíssimo de imagens de arquivo, especialmente algumas
pouco vistas e conhecidas, além de reveladoras (como a cena que abre o filme,
retirada de um programa de TV em Portugal com a participação de Caetano e Gil assim
que chegaram exilados na Europa). Com esse rico material, o diretor Marcelo
Machado faz um trabalho de montagem incrível e inventivo, sem perder o percurso
que traça do movimento, entremeando os descaminhos políticos que o Brasil vivia, com as interferências
e desmandos do governo militar, essenciais para se entender o momento histórico
quando tudo aquilo ganhava forma. Daí que não é de se espantar que imagens de Terra em Transe, de Glauber Rocha, ganhe
tonalidades coloridas, ou que imagens das fotos antigas sejam recortadas e ganhem
animação. Na profusão do movimento artístico, Tropicália se entrega ao pop
e à modernidade e nos entrega uma narrativa deliciosa de acompanhar. Definitivamente,
trata-se de um filme tropicalista.
Deus da
Carnificina
(Carnage, França/Alemanha/Polônia/Espanha, 2011)
Carnificina
(Carnage, França/Alemanha/Polônia/Espanha, 2011)
Dir:
Roman Polanski
Roman Polanski
Amaior surpresa em relação a esse filme é que se trata de um registro cômico, e
não dramático, como o tema tenderia a ser. Apesar da origem teatral do texto,
baseado na peça da francesa Yasmina Reza, Polanski conseguiu impor um narrativa
cinematográfica, passeando com a câmera pelos espaços do apartamento, sempre
variando ângulos e enquadramentos. Porque a força da história dos dois casais
de pais que discutem a briga de seus filhos na casa de um deles está justamente
nos diálogos e nos desdobramentos que aquele encontro, aparentemente amigável,
poderia ter. No fundo, o texto original foi feito para ser encenado num
espaço só, não é preciso esconder isso, e sim fazer dele uma foça narrativa.
Por
mais que o desenvolvimento da longa conversa nem sempre se sustente – incomoda,
por exemplo, as desculpas utilizadas pelos personagens para que o casal
visitante permaneça na casa discutindo –, o filme ganha no desenho que faz
daquelas pessoas, expondo sua visão de mundo e também seus conflitos internos.
O tom cômico acentua bem a hipocrisia dos personagens, tom esse que vai
crescendo até chegar numa espécie de pastiche, um retrato de adultos
portando-se como crianças imaturas (enquanto as crianças parecem lidar muito melhor
com suas desavenças, como demonstra a cena final). Por isso nem incomoda que
Jodie Foster e John C. Reilly beirem uma atuação mais histriônica. Chega-se a
um estado de calamidade para aqueles quatro, seu reino de aparências e brio
arranhados, uma carnificina só.
mais que o desenvolvimento da longa conversa nem sempre se sustente – incomoda,
por exemplo, as desculpas utilizadas pelos personagens para que o casal
visitante permaneça na casa discutindo –, o filme ganha no desenho que faz
daquelas pessoas, expondo sua visão de mundo e também seus conflitos internos.
O tom cômico acentua bem a hipocrisia dos personagens, tom esse que vai
crescendo até chegar numa espécie de pastiche, um retrato de adultos
portando-se como crianças imaturas (enquanto as crianças parecem lidar muito melhor
com suas desavenças, como demonstra a cena final). Por isso nem incomoda que
Jodie Foster e John C. Reilly beirem uma atuação mais histriônica. Chega-se a
um estado de calamidade para aqueles quatro, seu reino de aparências e brio
arranhados, uma carnificina só.
O que Eu Mais
Desejo
(Kiseki, Japão, 2011)
Desejo
(Kiseki, Japão, 2011)
Dir:
Hirokazu Kore-eda
Hirokazu Kore-eda
Retornandoao universo dos personagens infantis, como já fez no maravilhoso Ninguém Pode Saber, Hirokazu Kore-eda cometeu
mais um filme sensível que tem nas atitudes das crianças sua maior força de
sinceridade. Mas diferente da tristeza do anterior, O que Eu Mais Desejo tem algo de mais animador, que se esconde
pela sutileza da narrativa, uma das marcas do cineasta japonês. Como o ponto de
vista aqui é o das crianças, fica mais fácil ainda aliar a ingenuidade delas
com a história bonitinha. Koichi (Koki
Maeda) e Ryunosuke (Ohshirô Maeda)
são irmãos que vivem, cada um, com os pais separados. Quando descobrem que no
momento em que dois trens bala se cruzam a energia emitida é tão forte que é
possível acontecer um milagre, eles e alguns amigos partem na tentativa
presenciar esse encontro e desejar que seus pais possam voltar a viver juntos. Simples assim.
É
o tipo de história que só parece fazer sentido pela visão de crianças e sua
imaginação fértil, embora Kore-eda aproveite para explorar a rotina da família
que vive separada. Mas mesmo assim, não há pesar nem problemas duros que
agravem o cotidiano dos garotos, mas somente o retrato de uma situação tão comum
entre as famílias hoje. O ritmo do filme por vezes se torna um tanto arrastado,
e o filme podia ser um pouco mais enxuto, mas Kore-eda prefere o registro intimista,
também outra de suas características estilísticas. Mas O que Eu Mais Desejo tem também uma das cenas mais belas do ano, no clímax da história quando
os garotos chegam a seu destino, e quando um ato do irmão mais velho indica um pequeno
amadurecimento em relação à forma como vê sua própria vida em família. Do conto
singelo de crianças esperançosas por um milagre, o filme ganha um tom de rito
de passagem, da forma mais sutil possível.
o tipo de história que só parece fazer sentido pela visão de crianças e sua
imaginação fértil, embora Kore-eda aproveite para explorar a rotina da família
que vive separada. Mas mesmo assim, não há pesar nem problemas duros que
agravem o cotidiano dos garotos, mas somente o retrato de uma situação tão comum
entre as famílias hoje. O ritmo do filme por vezes se torna um tanto arrastado,
e o filme podia ser um pouco mais enxuto, mas Kore-eda prefere o registro intimista,
também outra de suas características estilísticas. Mas O que Eu Mais Desejo tem também uma das cenas mais belas do ano, no clímax da história quando
os garotos chegam a seu destino, e quando um ato do irmão mais velho indica um pequeno
amadurecimento em relação à forma como vê sua própria vida em família. Do conto
singelo de crianças esperançosas por um milagre, o filme ganha um tom de rito
de passagem, da forma mais sutil possível.
Liv & Ingmar
– Uma História de Amor (Liv & Ingmar, Noruega/Índia/Reino Unido, 2012)
– Uma História de Amor (Liv & Ingmar, Noruega/Índia/Reino Unido, 2012)
Dir:
Dheeraj Akolkar
Dheeraj Akolkar
Ocinema de Ingmar Bergman possui algo de tão pessimista, frio e duro que qualquer
registro mais amoroso que o envolva parece um tanto estranho. Não que se queira
aqui duvidar da amorosidade e ternura de seus relacionamentos pessoais, mas esse
documentário tenta imprimir um tom tão forçado na relação entre ele e a atriz
Liv Ullman, uma das grandes atrizes que ele descobriu, que, na maior parte das
vezes, soa como algo deslocado, difícil de comprar, até mesmo oportunista.
Ajuda muito que Liv Ullman seja a voz única aqui, seu relacionamento com o
cineasta sueco sendo dissecado por suas lembranças e sentimentos, que em nenhum
momento parecem falsas. Portanto, um retrato bastante íntimo e
personalizado.
Mas outro grave problema do documentário é a forma
como se constrói como narrativa através das imagens que servem de apoio para as
falas de Liv. Usa-se uma série de cenas dos filmes que Bergman dirigiu da forma
mais óbvia possível: quando se fala da separação, imagens de Cenas de um Casamento; quando o assunto
é morte, cenas de O Sétimo Selo, e assim
por diante. Dá a impressão errônea de que todos os filmes de Bergman estão, de
alguma forma, ligados ao relacionamento dos dois. Não se nega aqui que a filmografia
dele tem muito de autobiográfica, mas o recurso demonstra a falta mesmo de uma
forma mais interessante de ilustrar os depoimentos de Liv. Tudo é muito pessoal
e a história deles é realmente bonita, apesar do temperamento forte e
peculiar do diretor, mas merecia um tom menos melodioso e mais sincero com seus
personagens.
como se constrói como narrativa através das imagens que servem de apoio para as
falas de Liv. Usa-se uma série de cenas dos filmes que Bergman dirigiu da forma
mais óbvia possível: quando se fala da separação, imagens de Cenas de um Casamento; quando o assunto
é morte, cenas de O Sétimo Selo, e assim
por diante. Dá a impressão errônea de que todos os filmes de Bergman estão, de
alguma forma, ligados ao relacionamento dos dois. Não se nega aqui que a filmografia
dele tem muito de autobiográfica, mas o recurso demonstra a falta mesmo de uma
forma mais interessante de ilustrar os depoimentos de Liv. Tudo é muito pessoal
e a história deles é realmente bonita, apesar do temperamento forte e
peculiar do diretor, mas merecia um tom menos melodioso e mais sincero com seus
personagens.
Puxa, adorei JOVENS ADULTOS, me pareceu um Jason Reitman mais maduro que de costume (apesar de ainda achar AMOR SEM ESCALAS seu melhor filme).
Não acho TROPICÁLIA isso tudo, me parece mais um documentário musical brasileiro pouco inventivo e, como conheço razoavelmente o assunto que discute (estudei tropicalismo e cinema no mestrado), tudo me soou superficial e didático demais.
Acho DEUS DA CARNIFICINA um bom filme, mas aquém do Polanski que aprendi a admirar.
Os outros não assisti, mas de amanhã L'APOLLONIDE não passa!
Bom, comentarei apenas do que vi. Eu adorei Tropicália, porque realmente é um filme que sabe utilizar bem o rico arquivo que tinha nas mãos, com montagens criativas e um clima do movimento. Gosto da forma como ele usa os depoimentos também.
O que eu mais desejo, é poético. O sonho do menino de reunir a família, a forma como ele vai vendo as coisas, o resultado. Tudo isso, encanta mesmo. E com certeza, só tem força porque o filme é construído pela visão da criança.
Já Deus da Carnificina, não achei que o texto não se sustenta, por mais que pareçam meio tolas as tentativas de manter todos na sala. Na verdade, eles estavam querendo discutir a situação, mas começam de maneira polida, aquilo está engasgado na garganta e por isso, qualquer desculpa os faz retornar e continuar a "conversa". Gosto muito do filme e a forma como Polanski usa a linguagem cinematográfica em um cenário tão restrito.
Estou curiosa quanto a Liv & Ingmar – Uma História de Amor, mas seu texto acabou confirmando a sensação de que é um doc problemático.
Feliz Ano Novo, Rafael! As postagens de Moviola Digital me mostram que vou ficar bastante ocupada em 2013, conferindo tantos lançamentos que perdi no cinema.
Wallace, mais discordâncias entre a gente. Não consegui me envolver com Jovens Adultos, não me parece nem adulto nem engraçado, uma lástima porque adoro Juno. Tropicália me encantou porque, apesar do didatismo, ele tenta fugir do registro comum com uma narrativa um pouco mais inventiva. Agora com o aprofundamento que você tem do tema, entendo sua exigência. Para mim, continua sendo um filme que se destaca.
Amanda, o melhor do filme japonês é que por trás dessa melancolia toda, existe um filme alegre, sem precisar forçar um tom muito condescendente, e é bonito. Sobre Deus da Carnificina, não quis dizer que o texto não se sustenta, mas que às vezes incomoda algumas saídas. Mas sua explicação para persistência do casal no apartamento é bem boa. E só de ver o trailer de Liv & Ingmar, dá pra notar esse tom meloso no doc. Não me agradou mesmo.
Valeu, Stella. Que seu 2013 seja, então, recheado de bons filmes.
Ótimos comentários, Rafael.
Não assisti ainda a "Liv & Ingmar" e uma pena esse projeto aparentar pelo seu texto não estar à altura desses dois ícones. Nutria esperanças quanto ao filme.
Gostei de "Jovens Adultos". Achei uma fita despretensiosa, bem Alexander Payne dos anos 90. E concordo que Charlize está explosiva, mas também fiquei sentindo falta de algo mais bem elaborado, considerando a dupla por trás disso tudo.
"L'Apollonide" é maravilhoso mesmo. Uma reflexão vertical sobre os desejos e o corpo.
Gostei também de "Marcados para Morrer", mas mais pela atuação dos protagonistas e suas interações do que a sua técnica em si. Já "Tropicália" é definitivamente um filme tropicalista mesmo, mas a curta duração o prejudica, eu achei.
Pra finalizar, "Deus da Carnificina" vai perdendo sua razão no final e eu brochei, já "O Que Eu Mais Desejo" eu achei uma chatice cíclica. Tem momentos bonitinhos, mas não passa disso. O que vc cita no texto, "Ninguém Pode Saber", é infinitamente superior.
Lindo como as suas "curtinhas" são mais profundas do que muitas críticas por aí rs. Congrats!
Feliz 2013 pra nós, meu caro!
abs.
O Que Eu Mais Desejo é excelente. Concordo bastante com o teu comentário aqui, o filme transmite uma certa alegria sem forçar. E eu te digo, não achei o filme arrastado, apesar de em alguns momentos ele não avançar nada na trama, gostei de acompanhar aquela família em suas rotinas.
Hirokazu Koreeda é um grande diretor. Meu preferido dele acredito ser Still Walking.
Gostei mais de Jovens Adultos, mas como drama. Se for encarar como uma comédia (e acho que foi vendido assim), realmente, expectativas não serão preenchidas.
Gostei demais de TROPICÁLIA e DEUS DA CARNIFICINA.
Feliz 2013, Rafael. E viva o cinema!
O Falcão Maltês
Só assisti dois: "Jovens Adultos", que não é grande coisa, mas tem um ótimo desempenho da Charlize Theron; e "Deus da Carnificina", que achei um completo desperdício de elenco (nunca pensei ver a Kate Winslet e a Jodie Foster exageradas em um filme).
Opa Elton, que bom que as curtinhas surtem esse efeito tão positivo, valeu pelo retorno. Marcados para Morrer, apesar da técnica do mockumentary não ser mais novidade, acho que se aproveita bastante de sua proposta realista para falar de uma realidade na rotina policial, sem glamour. Nesse sentido, o uso da técnica, para mim, é um ponto forte e importante pro filme. Sobre Deus da Carnificina não entendi porque o filme perde a razão, eu acho que ele passa a ser mais pastelão no final, um retrato de imaturidade daqueles adultos. Confesso que às vezes O que Eu Mais Desejo se arrasta mesmo, mas ainda assim acho o filme uma doçura. Que 2013 seja feliz para nós.
Bruno, essa coisa do arrastado depende também da pessoa e do momento que você assiste. Mas mesmo achando um pouco lento, me envolvi completamente com a história. Já Still Walking eu não vi ainda, vou correr atrás.
Pois é Gustavo, eu esperava uma comédia com Jovens Adultos (o trailer me dava essa impressão), mas não encontrei esse tom, e como drama acho o filme bem falho.
Massa, Antonio. Tropicália é, para mim, um dos grandes filmes do ano. Feliz 2013 para nós!
Matheus, não acho o elenco problemático em Deus da Carnificina. Esse exagero me parece bastante plausível para aquela situação, não vejo incongruência.